李俊杰
[摘要]“如何练琴”一直是练琴者不断思考与不断探索的重要问题。解决技术难题是练琴的根本目的。在这个过程中严谨的态度是提高练琴质量和效率的前提保证。本文就个人体会阐述这一观点。
[关键词]练琴 节奏 弓法 演奏
“如何练琴”一直是练琴者不断思考与不断探索的重要问题。在练琴的过程中，发现很多人还是未能找到适合自己练琴的状态与方式。平时练琴只考虑时间的堆砌而未能讲究练琴的质量与方法的完善，结果总是事倍功半。在进入乐团工作后，因为技术不断地提高，从而懂得：在音乐上出现的问题基本是因为技术的不足所造成的，而解决技术问题就看平日练琴的质量。故要提高练琴的质量和效率，“严谨”二字甚为重要。
一、练琴的姿势
一个人练琴的姿势决定他练琴的质量与效率。就像中国功夫一样。分为内外两个部分来讲：从内在看，正确合理的练琴姿势会端正自己的内心思想与练琴态度，保养你的精气神和筋骨皮。打个比方，练琴时要是弯着腰、驼着背、翘着二郎腿，这样练琴不仅是琴练不好，长期下来还会把腰腿都弄伤。还有的人练琴容易打瞌睡，集中不了精神，又或者练一会儿就觉得头疼没力气了。那都是因为不合理的练琴姿势聚集不了自身的精气神多导致的。从外在视觉上讲，正确的拉琴姿势，观众看上去是舒服的，在舞台上演奏，你的肢体语言丰富、正确就会给观众带来视觉上的震撼，从而增添演奏的音乐感染力。正确的手型也是属于练琴的姿势范畴。正确的手型带给我们的好处是可以带来手指更好的活动能力和提高声音的质量。打个比方，当我们遇到技术困难的曲子时，会觉得手指跑不快或者手指发软，速度太快声音震动不开，速度慢的揉弦不好听，这些问题都很有可能是演奏时保持不了良好的姿势所导致的（简单地说就是一拉快的、难的乐曲片段手就会变型，保持不了）。
正确的拉琴姿势，从内可以让自己身心自在，增强内力。从外可以强身健体，提高手指机能；从舞台演奏上看，既可以让观众赏心悦目，又可以增强演奏表现力；从练琴上讲，既有效提高练琴的质量，也更容易、更直接解决技术难点，从而提高个人整体水平。所以正确的练琴姿势尤为重要。
二、音乐是声音的艺术
它没有看得见的形象，也不用文字和图像表达。但声音能激发观众的情感和联想。音乐的结构如同文字、绘画和建筑的结构一样，有其一定的规律。掌握声音是练琴者应解决的技术问题中最首要的关键，因为声音是音乐素材的本身，声音悦耳动听，方能提高音乐表现力。在练琴的时候，我们首先应该以严谨的态度训练对声音的掌握，而不是狭义的力度与速度，如果把最重要的声音训练给忽略掉了，或者将其放在次要的位置上，本文认为是本末倒置。学会拉出好声音，比什么都重要，为此，必须具备非常灵活而柔软的双手（但绝对不是软弱无力的手）。关于肢体放松这个问题，不是小问题。单靠严谨的态度与清晰的头脑是不可能解决这个问题的。放松不是放任，它是一种自然状态下的松弛。在求学和工作中，发现很多人在练习和演奏的时候，都非常拘谨，一拿起琴，身体就僵硬，错音之类的问题也随之产生。这就是因为不懂的放松所致。懂得如何正确放松才能以灵活和柔软的双手，轻松驾驭演奏。一个演奏者，与其他门类的艺术一样，控制自己的躯体，方能与作品融为一体，达到高层次的自由发挥。
三、音乐是声音的过程
它是过程而不是瞬间，不能停滞。它在时态上是正在进行时，因此在音乐表演的这个环节上，节奏具有重要作用。如果音乐演奏缺乏节奏，那么就是噪音。因为它无法让人领会。节奏的机械化与无节奏两者都不可取。当然，真正的、生动的、富于情感的艺术性表演另当别论。有些演奏家经常会毫无根据的减慢或加快速度，名月曰所谓的“自由”。这样的“自由”是对作品的歪曲，估计不会有多少观众和同行们认可。虽然演奏者为追求表演多样化制造“有趣味”，但作品被演奏者肢解得支离破碎。
一个演奏家对于节奏结构的感觉越深刻，就越能够自如地、合乎逻辑地不拘泥于节奏，越能够令人强烈地感到节奏的主导和作品内在关系。虽然很难用文字逐一表述节奏和谐与协调关系，但人们容易通过听觉体会到。不要忘记，音乐家的圣经是以这样一句话开始的：
“万物之初先有节奏”。所以对待节奏我们应以极其严谨的态度来训练。
于学生来说，公开演出不是一件简单容易的事情。他们的演奏无论从状态、声音、节奏的准确性、技术与音乐的完善度都会比台下老师们低很多。为什么呢？他们错误地把台下的练习与台上的表演完全等同。平常在练琴时没有考虑到舞台演奏时可能出现的各个问题：例如，音量问题。音乐厅所需要的音量与区区几平方琴房的音量截然不同，而学生们没有考虑到这点。因此需要在时间空间的整体考虑下才能有效地解决舞台演奏问题。
四、关于调音
在乐团里时常看见有些同事不用调音器调音，为此我甚为不解，难道我们的耳朵竟然到了比调音器还精准的程度吗？如果不是，就应该时常带着调音器去训练，约每隔三十分钟就必须调一次音。这样做的好处是不但在练琴时，保证了音的准确度，同时牢固保持音准概念，对听觉大有帮助，于人于琴均有益处。对待调音的严谨态度是十分重要的。设想一下，如果连调音程序都不从严，更遑论之后的各项练习了。
五、练长弓——学院里极少能听到的练琴程序之一
中国人讲究“修身养性”，而练长弓这种练习就是“修身养性”的入门方法，它对于练琴者极为有用。既能修炼手，又能养心性。如今有些人认为此练习，乃初学入门者之技，则大错特错矣！练长弓看似简单，实则考功夫。弓子的快慢、强弱、质量与平稳，都会在舞台上的演奏中显露出来，尽管长弓的这种练习相当枯燥乏味，正是因为这样，才能练就自身的毅力与忍耐力。
大师所以为大师，技术炉火纯青，在练琴中付出的汗水非同一般。为了一个音符寝食难安，为寻求解决办法不择手段，为了弄清一个乐句、一个片段花上几个小时，甚至几日，直至问题解决。反观我们多数练琴者，都会喜欢挑顺手的练，挑好听的拉，到了最后，未解决的技术难题不但没因演出结束而消失，反而会像鬼影一样紧随着自己。在练琴过程中，随意的强弱、弓子随意的长短、弓速随意的快慢、弓子的压力随意的大小、随时改变演奏状态、随时改变作品的形象与律动；揉弦想揉就揉，不想揉便不揉；节拍器想用就用，不想用便不用；随意增减基本练习的各项内容等等。这无一不显露练琴者漫不经心的心态。
六、音阶练习
何谓严谨？以练习一条音阶为例：音阶，几乎每一个初学者都会，也几乎每一个拉琴人每一天都要练习的项目。何不想一想，这些连大师们都每天练习的东西，到底与我们有何不同？当然，我们很难知道其中的全部细节，以我个人的学习工作体会看，至少可以这么认为：他们练习时与我们练习时对自身要求的难度与严谨度是绝对不一样的。我以为正确的做法应是：在练习音阶之前，先想清楚准备用一个什么速度去练习，然后调好节拍器，再想好准备要用什么弓段拉奏。例如，打算这一条音阶每一个音都用四分之一的弓子拉奏，那么就应该一直用这个弓段拉奏每一个音，直至拉完这一条音阶，在拉奏这一条音阶里面，每一个音的强弱要一样，弓速要一样，弓子的平面要一样，运弓的方式要一样，弓子的压力要一样。揉弦亦是如此：如果这一条音阶不用揉弦拉奏，那么每一个音都不能揉弦；如果改用揉弦，那么这条音阶每一个音揉弦的频率都要一样。
提高音阶练习的难度，与舞台上的现场演奏要求结合在一起，从严训练，以“君子无所不用其极”的心态去练习。
七、无法回避的指法
指法这个问题。练琴者选择什么类型指法练习同一条音阶，本文主张可做多种尝试。可以是常用的、可以是极少触及到把位的、也可以是从未见过别人使用的。不同的指法使用越多越好，只要能想到的都可以尝试。同理，弓法也一样，尝试用不同的弓法练习同一条音阶。当然，很多教材都有这方面的练习，其练习的思路虽各有不同，但目的都旨在让练习者的技巧丰富多样，在此不一一列举。需要强调的是：宜尝试多用弓尖练习复杂的弓法。这是因为：弓尖是拉琴最怕触碰到的地方，针对这个问题，知难而上，能使练习者突破瓶颈，上升一个高度。
结语
综合这些方法，以严谨的态度，持之以恒地练习，左右手的功夫便会随之增长，练习者也会产生以往未曾有的感觉和心得。当面对乐曲作品时，能应对的指法与弓法增多，练习者就能按照自己所希望的音乐线条安排喜爱的指法与弓法，也能按乐曲要求而使演奏游刃有余。
虽然每个人练琴的方法各有不同，水平有高有低，但内心想法基本一样：就是将自身、乐器与作品融为一体，出神入化表现作品的魅力。总而言之，严谨的态度、一丝不苟的精神、持之以恒的训练，是艺术水平不断提高的首要前提。
